Pleasantville - Gary Ross (film fantastico)

Titolo: Pleasantville (Pleasantville).
Genere: commedia, fantastico.
Regista: Gary Ross.
Attori: Tobey Maguire, Reese Witherspoon, Jeff Daniels, Joan Allen, William H. Macy, Paul Walker, Don Knotts, Jane Kaczmarek, Marley Shelton, Natalie Ramsey, Kevin Connors, J.T. Walsh.
Anno: 1998.
Voto: 8.5.
Dove lo trovi: qui.


Anni fa trovai due film a me sconosciuti, e li vidi uno dietro l'altro: il primo era Existenz, il secondo questo Pleasantville.
In entrambi i casi sono stato fortunato, dato che entrambi i film sono due capolavori.

Tecnicamente Pleasantville è un film fantastico dal tono di commedia, anche se, e questo è un suo grande pregio, non manca di affrontare tematiche di grande importanza: l'amore, il razzismo, il confronto.

La sintesi della storia vi farà capire perchè si tratta di un film fantastico: David (Tobey Maguire, il futuro Spiderman) e Jennifer (Reese Witherspoon, Cruel intentions), fratello e sorella, si stanno contendendo il telecomando per cercare di realizzare i reciproci progetti per la serata, quando vengono sbalzati dentro la televisione.

Detta così sembra l'incipit di un filmetto di serie B.
Non è così.

I due finiscono nella cittadina di Pleasantville, nei panni di Bud e Sue, i protagonisti dell'omonima serie televisiva degli anni "50 (di cui David è un grande fan e in cui tutto è rigorosamente in bianco e nero).

A Pleasantville, come dice il nome, tutto è perfetto: la vita è tranquilla, i giardini sono curati, i ruoli sociali son rispettati da tutti, gli orari perfettamente scanditi, il clima sempre mite, etc.

David e Jennifer, tuttavia, spariglieranno le carte... soprattutto la seconda, in effetti, ansiosa più del fratello di dare un po' di colore a quel luogo perfettino e asettico.

E Jennifer-Sue ci riuscirà, con la vita della cittadina che muterà poco alla volta, accompagnata nel suo cambiamento dall'apparizione dei colori: prima un fiore, poi un orologio, poi un cancello, poi ancora un macchina... e infine gli esseri umani.

Il risultato finale sarà che la cittadina si dividerà in tradizionalisti-bianchieneri e innovatori-colorati.

E in sostanza Pleasantville, dietro la sua patina luccicante e tirata a lucido, affronta proprio questo argomento: il razzismo, la diversità, l'accettazione degli altri.
E lo fa, lo avrete capito, in modo assolutamente originale e brillante.

Chiudo con qualche considerazione sulla parte finale di Pleasantville.
1. Dopo un'ora e mezza di bianco e nero, il ritorno del colori è meraviglioso, metafora di come quello che diamo per scontato ci manca quando viene meno.
2. Il rapporto che si viene a creare tra David-Bud e la madre (quella della soap opera) è quasi commovente.
3. La sigla finale, Across the universe, cantata da Fiona Apple, chiude alla perfezione il film.

Buona visione, del trailer e del film.

Fosco Del Nero

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Jack Frusciante è uscito dal gruppo - Enza Negroni (film commedia)

Titolo: Jack Frusciante è uscito dal gruppo (Jack Frusciante è uscito dal gruppo).
Genere: commedia, drammatico, adolescenziale, sentimentale.
Regista: Enza Negroni.
Attori: Stefano Accorsi, Athina Cenci, Ivano Marescotti, Violante Placido, Patrizia Piccinini, Barbara Livi, Angela Baraldi.
Anno: 1996.
Voto: 5.
Dove lo trovi: qui.


Avevo visto Jack Frusciante è uscito dal gruppo per la prima e unica volta ormai molti anni fa, quando ero un ragazzino.
Il ricordo che nel mentre mi ero conservato era quello di un film fresco, brillante e vivace.

Ora, le cose sono due: o nel mentre sono cambiato molto, o allora non ne capivo niente di film (e se è per questo neanche adesso, dati certi film che guardo...).

Rivendendolo ora, infatti, mi è parso un prodotto mediocre, pieno di luoghi comuni sull'adolescenza e recitato in un linguaggio che definire anacronistico sarebbe eufemistico.
Infatti, il tentativo di tratteggiare la gioventù di allora, piuttosto forzato (mai sentito nessuno parlare in tale modo: "questa sgorbia storia", "un pettinato totale", "noi zucche fosforescenti", per limitarmi ai primi minuti del film), ha appesantito un prodotto che già di per sé non era niente di che.

In poche parole, Jack Frusciante è uscito dal gruppo è la storia della tormentata storia d'amore tra Alex (Stefano Accorsi: La stanza del figlio, L'ultimo bacio) e Adelaide (Violante Placido, L'anima gemella)... anche se a dirla tutta definirla tormentata è già esagerato: a lui piace lei, ma lei prende tempo perchè sa che probabilmente vincerà una borsa di studio per gli Stati Uniti (ma nel mentre non perde occasione per provocarlo... in questo ho solidarizzato con Alex :).

La storia tra i due scorre parallela a quello che dovrebbe essere lo scontro generazionale tra figli (ribelli) e genitori (impiccioni).
E sono già due banalità importanti, condite per di più da monologhi e dialoghi di tipo esistenzialista piuttosto precari e patetici.

Se poi ci aggiungiamo il fatto che i giovani trasgressivi, ossia Alex e i suoi compagni di gruppo musicale di tendenza punk, non ascoltano niente di più trasgressivo di Red Hot Chili Peppers e simili, allora il calcolo finale è presto fatto: la sensazione è infatti che la regista (guarda caso, un nome sconosciuto che di recente non ha diretto niente) ha cercato di descrivere un mondo che in realtà non conosceva bene... di dipingere un quadro non suo, per utilizzare una metafora visiva.

Ma forse con Jack Frusciante è uscito dal gruppo ci sto andando giù un po' pesante per la delusione di un ricordo mortificato.
Ottima, la colonna sonora dei Pulp.

Fosco Del Nero

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Adam's apples - Anders Thomas Jensen (film commedia)

Titolo: Adam's apples (Adams æbler).
Genere: commedia, drammatico.
Regista: Anders Thomas Jensen.
Attori: Mads Mikkelsen, Ulrich Thomsen, Ali Kazim, Tomas Villum Jensen, Paprika Steen, Gyrd Lofqvist, Nicolas Bro, Ole Thestrup, Nikolaj Lie Kaas.
Anno: 2005.
Voto: 7.5.
Dove lo trovi: qui.


Adam's apple è un'ottima commedia, che purtroppo non è mai stata portata in Italia, tanto che per potersela gustare occorre armarsi di sottotitoli inglesi... o, in alternativa, conoscere il danese...

Eh sì, perchè Adam's apple viene proprio dalla Danimarca, ed è un film originalissimo, non a caso vincitore di numerosi premi (fatto che eleva a potenza il disappunto per la mancata importazione).

La storia è questa: un neonazista, Adam (peraltro interpretato da un attore che è il sosia di Claudio Bisio!) viene condannato a un periodo di servizi sociali presso la chiesa di padre Ivan.

Padre Ivan è un individuo più unico che raro: la vita è stata molto cattiva con lui (la madre è morta partorendolo; il padre lo ha violentato da bambino; la sorella, prostituta, è morta anch'essa; sua moglie si è suicidata dopo aver generato un figlio spastico... che fortuna, eh?), e lui ha reagito alle avversità concependo l'esistenza sotto un'ottica dualistica: in ogni cosa vi è la mano di Dio... o, in alternativa, una tentazione di Satana.

La visione della vita del neonazista Adam ("Claudio Bisio"), va da sé, è completamente difforme, e i due daranno il via a una sorta di contrapposizione ideologica (e spesso non solo ideologica).
In sostanza, si scontrano fede e cinicità.

E la fede di Ivan è quasi incrollabile: anche di fronte alle difficoltà più grandi, e persino all'evidenza, l'uomo nega tutto e prosegue per la sua strada.

Il sacerdote, benchè a volte paia tanto fiducioso da essere ottuso (in effetti, si tende a solidarizzare più col neonazista!), spesso appare veramente ispirato, tanto che egli, in qualche modo è il punto di riferimento della sua piccola comunità, all'interno della quale spiccano Gunnar, un ex tennista professionista ora grasso e alcolizzato, e Khalid, un pakistano incline alla violenza.
In effetti, Ivan oscilla in modo pauroso tra squilibrio e solidità, e la sua comunità con lui.

Il titolo del film deriva dal fatto che padre Ivan, non appena Adam giunge alla chiesa, gli fa scegliere un "compito", una sorta di piccola missione: Adam, in modo sarcastico, sceglierà di fare un torta di mele.

E proprio il grande melo prospiciente alla chiesa sarà una sorta di chiave di volta dell'intera faccenda.

Il finale del film è quasi commovente.
Non credo che lo possiate trovare nei negozi di dvd... provateci comunque, da qualche parte lo troverete.

Chiudo con il trailer di Adam's apple (in lingua originale sottotitolato in inglese), che sono sicuro vi farà venire un po' di curiosità.

Fosco Del Nero

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The snatch - Lo strappo - Guy Ritchie (film commedia)

Titolo: The snatch - Lo strappo (The snatch).
Genere: commedia, pulp.
Regista: Guy Ritchie.
Attori: Brad Pitt, Benicio Del Toro, Dennis Farina, Ewen Bremner, Rade Serbedija, Alan Ford, Vinnie Jones, Jason Statham, Jason Flemyng, Rade Serbedzija.
Anno: 2000.
Voto: 8.
Dove lo trovi: qui.


Molti conoscono Guy Ritchie soprattutto per il matrimonio (che tra l'altro pare essere finito) con Madonna, ma l'inglese è anche e soprattutto un ottimo regista, capace di girare film dal ritmo rapido, seri e divertenti allo stesso tempo, colmi di spunti, gag e personaggi magnificamente caratterizzati.

E proprio i personaggi risultano essere il punto di maggiore impatto di The snatch - Lo strappo, film che segue di un solo l'anno il fortunato (e molto simile per alcuni aspetti, attori compresi) predecessore Lock & stock - Pazzi scatenati.

Alcuni hanno accusato il Signor Madonna (ok, ok, non lo chiamo più così...) di aver copiato lo stile di Quentin Tarantino, ma l'accusa non sta in piedi neanche per un secondo: mentre Tarantino è il pulp per definizione, abbondante di sangue, cattiveria e di reminiscenze anni "80, Guy Ritchie si distingue per il sarcasmo e la verve brillante e ficcante.

In effetti, nonostante le situazioni del film (corpi squartati, rapine, pallottole a raffica, violenti incidenti stradali, omicidi e incendi) farebbero pensare a un thriller, The snatch - Lo strappo risulta più una commedia.

Dicevo dei personaggi: The snatch ne propone veramente tanti, ma a mio avviso i più efficaci sono quelli di
- Mickey (Brad Pitt, protagonista tra gli altri film del già recensito e ottimo L'esercito delle dodici scimmie), uno zingaro pugile dall'eloquio irresistibile nel suo essere quasi incomprensibile;
- il Turco (Jason Statham, protagonista in London), un piccolo criminale alle prese con criminali molto più grossi e pericolosi di lui;
- Testarossa (Alan Ford), uno dei suddetti criminali, cattivissimo e inquietante boss locale;
- Frankie (Benicio Del Toro, presente nel colossal Sin City), un ricettatore con il vizio del gioco e delle scommesse;
- Tony (Vinnie Jones, ex calciatore del Chelsea), un killer particolarmente elegante ed educato.
Ma l'elenco è assolutamente incompleto...

In sostanza, The snatch - Lo strappo è un turbinio di personaggi e situazioni assai eterogenee, con gli interessi di ciascuno che si mescolano in modo conflittuale e spesso esilarante.
Gli episodi da citare sarebbero troppi, dalla peggior rapina del secolo agli incontri di boxe clandestina... mi limito allora a citare il simpaticissimo e squittente (se la parola non esiste la conio io sul momento) cane bianco che, seppur inconsapevolmente, determinerà il corso degli eventi.

Fosco Del Nero

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Pom Poko - Isao Takahata (anime)

Titolo: Pom Poko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko).
Genere: anime, animazione, fantastico, drammatico.
Regista: Isao Takahata.
Anno: 1994.
Voto: 7.
Dove lo trovi: qui.


Un'altra produzione dello Studio Ghibli e un altro bel film, sebbene sotto gli standard della casa nipponica... ma solo perchè gli standard dello Studio Ghibli sono altissimi (Nausicaa, La città incantata, Il castello errante di Howl, etc).

Pom Poko nasce da un soggetto di Hayao Miyazaki, ma è diretto da Isao Takahata.
L'impronta del maestro, comunque, si vede tutta, sia nella tematica ambientalista, sia nel tono delle vicende, a metà tra impegno e umorismo.

Tecnicamente, inoltre, Pom Poko è un film fantastico, giacché i protagonisti dello stesso sono dei procioni parlanti e dotati di poteri magici.
Sì, avete letto bene!

La trama in breve è la seguente: la colonia dei procioni viveva tranquilla nelle montagne, quando le stesse sono state invase dagli uomini e dal loro progetto di espansione urbana.
Il progetto umano era quello di realizzare dal niente una città, Tama New Town, di circa 300.000 abitanti.

Va da sè che i procioni non gradiscono questa espansione, e decidono di contrattaccare.
In seno alla colonia, tuttavia, vi sono due correnti di pensiero: quelli che vorrebbero un'azione forte e violenta, atta a dissuadere definitivamente gli uomini, e quelli che preferirebbero una linea più soft, utile a far capire agli umani che non sono graditi, senza tuttavia scatenare una vera e propria guerra.

Queste due linee di pensiero si alternano, con i procioni impegnati sia in vere e proprie azioni omicide, sia in messinscene dal taglio più burlesco.
In entrambi i casi, essi si avvalgono di un loro potere, coltivato all'occorrenza: la metamorfosi.

Sì, perchè nel film i procioni, come altri animali (le volpi per esempio), possono mutare il loro corpo, assumendo le sembianze più disparate, tanto che la zona acquisterà presto fama di luogo infestato dai fantasmi (divertente in particolare la scena del poliziotto e delle persone senza faccia).

Il contrattacco dei procioni subisce però un inconveniente: la cultura umana si affaccia lentamente nella loro vita, sotto forma di televisione, hamburger, patatine fritte, etc.
In sostanza, essi non vogliono più che gli uomini se ne vadano, per non dover rinunciare a queste cose, ma desiderano solo che non invadano i loro territori.
Ma l'uomo non si ferma, e in breve i procioni avranno intorno a sé molto cemento e poco cibo.
Chiameranno dunque in occorso tre procioni santoni esperti nell'arte della metamorfosi...

Va detto che i disegni sono ottimi, anche se la cosa era quasi scontata, trattandosi di un prodotto dello Studio Ghibli.
Ciò che colpisce maggiormente di Pom Poko è il mix tra commedia e dramma: entrambi gli elementi sono molto forti, e il film d'animazione sa far ridere quanto riflettere.

Inevitabilmente, si finisce per tifare per i procioni, vittime dell'urbanizzazione umana, descritti come una razza allegra e positiva nonostante le difficoltà.
Commovente il finale del film, con una canzone essa stessa miscuglio tra spirito drammatico e ludico.

Fosco Del Nero

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A beautiful mind - Ron Howard (film drammatico)

Titolo: A beautiful mind (A beautiful mind).
Genere: drammatico, psicologico, biografia.
Regista: Ron Howard.
Attori: Russell Crowe, Ed Harris, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, Judd Hirsch, Josh Lucas, Adam Goldberg, Anthony Rapp, Austin Pendleton, Victor Steinbach.
Anno: 2001.
Voto: 8.
Dove lo trovi: qui.


A mio avviso, A beautiful mind è uno dei film più belli degli ultimi 10 anni.

I meriti sono condivisi: buona parte di essi va al regista Ron Howard (Cocoon, Willow, Apollo 13, Il Grinch), ma anche i protagonisti Russel Crowe (l'ormai celebre, benchè pieno di incongruenza storiche, Il gladiatore) e Jennifer Connelly (Phenomena di Dario Argento, il magnifico Labyrinth, il fanta-gotico Dark City, il drammatico Requiem for a dream).

E che dire allora del personaggio cui il film è ispirato, il geniale e bizarro matematico-politologo John Forbes Nash (che studiai all'università, peraltro), una vita turbolenta e un premio Nobel nel 1944.

E allora veniamo alla trama di A beautiful mind: John Nash (Russel Crowe) è uno studente di matematica, alle prese con un college molto competitivo (Princeton) e una teoria ancora allo stato larvale, su cui tuttavia lui concentrerà tutti i suoi sforzi intellettuali.

John è un personaggio strano, e non tarderà ad attirarsi sguardi, simpatie e (soprattutto) antipatie: ha un solo amico, Charles, il suo compagno di stanza, mentre i suoi compagni principali sono algoritmi e formule matematiche, che poi lo porteranno all'elaborazione della teoria dei giochi, che manderà in soffitta le vecchie concezioni economiche di Adam Smith.

Più avanti negli anni, l'università gli donerà anche l'amore della sua vita, Alicia (Jennifer Connelly), che poi diverà sua moglie, e che lo aiuterà grandemente nei momenti difficili che verranno.
E ne verranno, giacchè John Nash ha un problema, e un problema non da poco...

La tensione emotiva di A beautiful mind è fortissima, e raramente a mio avviso una pellicola ha coinvolto così tanto: la storia, appassionante, si divide tra gli anni dello studio, quelli dell'insegnamento e quelli del dottorato, distribuendo in egual quantità gioie e dolori.

Pare assai riuscita la scelta cromatica, con un color ocra dominante veramente efficace.
Ma in generale è ottimo l'intero assetto narrativo, con la dicotomia realtà-immaginazione che gioca con lo spettatore fin alla fine.

Alla fine della fiera, rimangono nette alcune sensazioni: la grande forza emotiva della storia, la credibilità dei personaggi, alcuni dialoghi fulminanti.

Eccone qualche esempio:
- Non vai a lezione?
- No, le lezioni ottundono la mente, distruggono il potenziale della creatività vera.
- Ah, non lo sapevo...

- Ci sarà una spiegazione matematica per la bruttezza della tua cravatta.

- Mi girano con movimenti rotatori opposti.

- Il genio vede la risposta prima della domanda.

Fosco Del Nero

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Comunicazione di servizio

Una piccola comunicazione di servizio: giacché mi sono reso conto di avere mischiato troppi argomenti, ho deciso di suddividere i due filoni principali del sito, ossia film e libri.

I film rimarranno su Cinema e film.

I libri, viceversa, sono stati dirottati tutti su Libri e romanzi.

Quanto ad anime e manga, per ora li tengo qui insieme ai film: in fin dei conti, tanto quanto video e videogiochi, in essi è prevalente l'elemento visivo.

Aggiungo solo che, se della scelta ero convinto (così è più pratico: chi è interessato ai libri segue i libri e chi invece ai film segue questi ultimi), mi è dispiaciuto molto cancellare i commenti nel frattempo arrivati relativamente ai libri recensiti...

Fatemi sapere se avete apprezzato questa ottimizzazione e che ne pensate del nuovo blog, che ho cercato di rendere gradevole alla vista e al contempo pratico.
Un saluto a tutti.

Fosco Del Nero

Saw - L'enigmista - James Wan (film thriller)

Titolo: Saw - L'enigmista (Saw).
Genere: thriller, noir, psicologico.
Regista: James Wan.
Attori: Cary Elwes, Leigh Whannell, Danny Glover, Monica Potter, Michael Emerson, Tobin Bell, Ken Leung, Makenzie Vega, Shawnee Smith, Benito Martinez, Dina Meyer, Michael Emerson.
Anno: 2004.
Voto: 7.5.
Dove lo trovi: qui.


La recensione di Saw - L'enigmista parte in modo originale: la prima volta che lo vidi non potei non ripensare al film Disney La storia fantastica (da non confondersi con La storia infinita, tratto dal bellissimo romanzo di Michael Ende), di cui era protagonista l'attore che in Saw fa il dottor Lawrence Gordon (Cary Elwes).

Il contrasto era piuttosto palese, con il primo film lieto e piacevole, e il secondo inquietante e claustrofobico.
Saw - L'enigmista infatti non risparmia certo visioni d'orrore al suo spettatore, tra orrore veduto e orrore percepito (ed entrambi sono evocati in quantità notevoli).

Il film si apre con una stanza lurida e due uomini incatenati.
Pare evidente da subito che i due non sanno perchè sono dove sono.

Comincia allora per i malcapitati una sorta di indagine, in modo da capire il perchè della situazione e le eventuali vie di fuga.

Saw - L'enigmista sa molto di videogioco, con gli indizi che vengono distibuiti mano a mano e che portano a un nuovo livello della storia.
E di livelli la storia ne è piena, con la comprensione della stessa che procede lenta e inesorabile, tanto per i protagonisti quanto per gli spettatori.

Il colpo di scena finale, poi, è spettacolare, veramente inaspettato (applicazione magistrale del principio psicologico in base al quale una cosa che si dà per scontata diventa "ambiente").

Insomma, Saw - L'enigmista è un thriller veramente buono.
Se non siete troppo deboli di cuore, guardatelo senza riserve.

Da segnalare anche la presenza nel film di Michael Emerson, che sarebbe poi diventato celebre nei panni di Ben in Lost.

Fosco Del Nero

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The butterfly effect - Eric Bress, J. Mackye Gruber (film psicologico)

Titolo: The butterfly effect (The butterfly effect).
Genere: drammatico, fantastico, psicologia.
Regista: Eric Bress, J. Mackye Gruber.
Attori: Ashton Kutcher, Amy Smart, Kevin Schmidt, Melora Waters, Elden Henson, Lenny Kagan, Eric Stoltz, Melora Walters, Callum Keith Rennie.
Anno: 2004.
Voto: 8.
Dove lo trovi: qui.


"Si dice che il battito d'ali di una farfalla sia in grado di provocare un uragano dall'altra parte del mondo".

The butterfly effect comincia con questa citazione della teoria del caos, secondo la quale le coincidenze non esistono e ogni cosa ha ripercussioni reali, importanti o meno che siano.

Evan (Ashton Kutcher: Oggi sposi, niente sesso; Fatti, strafatti e strafighe, ma soprattuto giovane marito di Demy Moore) ha un problema: una qualche malattia sconosciuta, ereditata dal padre, gli provoca delle crisi a cui sono legate delle perdite di memoria.

Medicina convenzionale e psicoterapia non riescono a risolvere il problema, e così un dottore consiglia al ragazzo di tenere dei diari, in modo da poter confrontare la sua memoria con quanto scritto.
Evan lo farà, per tutti gli anni della sua infanzia e della sua adolescenza.

Della sua adolescenza fanno parte diversi personaggi: la dolce Kayleen (Amy Smart: Interstate 60; La battaglia di Shaker Heights, Starship Troopers - Fanteria delo spazio), il bonario Lenny (Elden Henson: La battaglia di Shaker Heights), il cinico e cattivo Thommy.

Ma, soprattutto, il padre di Kayleen e Tommy, pedofilo intorno ai comportamenti del quale verterà l'intera storia.
Evan, infatti, quando sarà studente universitario si renderà conto di aver accesso ai ricordi d'infanzia attraverso la lettura dei suoi vecchi diari, tutti religiosamente conservati. Un accesso talmente vivido che...

L'inizio di The butterfly effect è molto agitato e confuso, tra la malattia del padre e le crisi di Evan, ancora bambino. Tutto però sarà spiegato, e con coerenza, con il prosieguo del film, appassionante e coinvolgente.

Film che è stato vietato ai minori di 14 anni, anche se senza validi motivi a parer mio: è vero che vi sono scene piuttosto crude (il padre pedofilo, l'uccisione di un cane, tentativi di omicidi, mutilazioni corporee, squarci di prostituzione, omosessualità da carcere, etc), ma nulla che non si veda anche in altri prodotti (beh, dipende anche da quali film guardate di solito).

Sostanzialmente, siamo di fronte a un film sui viaggi temporali e sugli snodi della vita.

Al di là del primo elemento, quello fantastico, il secondo pare molto ben riuscito, con i ragazzi che mutano radicalmente di condizione esistenziale a seconda di quanto fatto da Evan nel passato.
Kayleen passa da felice e brillante (e bellissima) studentessa a prostituta disillusa; Thommy da psicopatico a fervente religioso; Lenny da semi-autistico a persona serena ed equilibrata.
Lo stess Evan si ritrova studente alternativo, membo di confraternita, handicappato, malato mentale, etc.

Seguendo la trama, non si può non pensare al bellissimo Memento, che si districava su basi diverse (solo psicologiche), ma con tematiche simili (le possibilità della vita e le scelte fatte).

In conclusione, The butterfly effect è a mio avviso un ottimo film.

Fosco Del Nero

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Velocità massima - Daniele Vicari (film commedia)

Titolo: Velocità massima.
Genere: commedia, drammatico.
Regista: Daniele Vicari.
Attori: Valerio Mastandrea, Cristiano Morroni, Alessia Barela, Massimiliano Varrese.
Anno: 2002.
Voto: 5.
Dove lo trovi: qui.


Velocità massima è il lungometraggio di esordio per Daniele Vicari, realizzato a partire da un documentario da lui stesso prodotto sull'ossessione per le auto degli italiani.

E difatti le auto sono l'argomento centrale di questo film: Stefano interpretato da Valerio Mastandrea (Tutta la vita davanti, N - Io e Napoleone), è un meccanico proprietario di una scalcinata officina, che prende in prova un giovane diciassettenne, Claudio, tanto silenzioso quanto abile coi motori.

I due, anche per soddisfare la passione di Stefano, accanito frequentatore delle corse clandestine a Roma (che si svolgono all'Obelisco), iniziano a lavorare su una macchina, per renderla il più possibile competitiva...
Stefano vuole al contempo vincere la gara che si svolgerà di lì a poco e dare una lezione a Fischio, altro accanito corridore, sostenuto però più dai soldi che non dall'abilità coi motori.

E i soldi sono un altro punto centrale del film, tra debiti, viaggi programmati e affitti non pagati.
Macchine... soldi... cosa manca?

Esatto: le donne, l'altro pezzo del puzzle.
Donne e motori, gioie e dolori?
In un certo senso Velocità massima sembra confermare questo detto, con l'attraente Giovanna, ragazza di Fischio, di cui si invaghisce il giovane Claudio... e con lo stesso Stefano che non sta a guardare.

Il giudizio su Velocità massima non è del tutto positivo: è pur vero che si lascia seguire facilmente, e che offre un affresco interessante sulla realtà sommersa delle corse clandestine, ma è anche vero che la storia è piuttosto banale, così come banali sono i cliché proposti (la sfida tra gli eroi di turno, i litigi per una donna, etc).
Anche il finale sembra piuttosto forzato e non convince appieno.

Tuttavia, se foste degli appassionati di film su macchine e motori, Velocità massima potrebbe piacervi.
Buona la recitazione di Valerio Mastandrea.

Fosco Del Nero

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Shaolin soccer - Stephen Chow (film commedia)

Titolo: Shaolin soccer (Siu lam juk kau).
Genere: sportivo, commedia, comico.
Regista: Stephen Chow.
Attori: Stephen Chow, Vicki Zhao, Ng Mang Tat, Patrick Tse Yin, Wong Yat Fei, Tin Kai Man, Lam Tze Chung, Chan Kwok Kwan, Mok Mei Lam, Lam Tsz Sin, Karen Mok, Cecilia Cheung, Vincent Kok, Li Hui, Po Yip Dung, Cheung Ming Ming.
Anno: 2001.
Voto: 7.5.
Dove lo trovi: qui.


Una delle sorprese più liete degli ultimi anni: Shaolin soccer, girato a Hong Kong nel 2001 dal giovane attore e regista Stephen Chow, è diventato ben presto un grande successo nell'Asia orientale e anche in Occidente, grazie al passaparola e al peer-to-peer in internet.

In effetti, quando nel 2003 il film è stato portato in occidente dalla Miramax, già godeva di una grande popolarità.

Purtroppo, però, in fase di adattamento il lavoro è stato pesantemente mutilato, con circa 20 minuti tagliati (e nessuno ne ha mai capito il perchè).

In casa Italia è andata anche peggio, con il doppiaggio diretto da Pino Insegno che ha letteralmente mutilato un ottimo prodotto, un film a metà tra spettacolarità e filosofia, rendendolo una storiella frivola popolata da macchiette ridicole.

Già, perchè si sono avute tre brillanti idee, veramente dilettantesche:
1. Dare ai personaggi degli accenti regionali (romano, siciliano, etc).
2. Cambiare i dialoghi per renderli più terra terra.
3. Far fare il doppiaggio a professionisti del settore come Candela, Mihajlovic, Pancaro, Tommasi, Del Vecchio, etc.

Il risultato: la versione originale del film (ovviamente vista coi sottotitoli) è infinitamente più bella.
Non c'è nemeno paragone.
Il mio giudizio si basa sull'averle viste entrambe, ed è un parere che, ho riscontrato su internet, è largamente condiviso.

Ma veniamo al film in sé e per sé: Fung (detto Golden leg), ex calciatore e ora allenatore disoccupato, incontra Sing (Mighty steel), esperto di tecniche shaolin, anch'egli povero in canna.

I due decidono di coniugare le loro due abilità, kung fu e calcio, e iscriversi al campionato nazionale.
La squadra che metteranno su all'inizio sembra piuttosto scalcinata, ma...

Diciamo subito una cosa: la trama di Shaolin soccer non è originalissima, e fin dall'inizio si sa cosa succederà, dettaglio più dettaglio meno.
I punti di forza del film sono invece altri. Intanto, degli effetti speciali spettacolari e coinvolgenti, che già di per sé valgono la visione del film.

Perlomeno perchè sono uniti a significati a mio avviso densi e profondi: al kung fu praticato si unisce infatti la visione della vita che gli sta dietro, di sapore quasi filosofico.

Ad azione e filosofia si aggiunge poi la comicità, dato che il film è sostanzialmente una commedia, e anche divertente.
Inoltre, la storia si fa seguire volentieri, grazie a dei personaggi costruiti molto bene e a cui ci si affeziona in fretta (in primis Sing e tutti i suoi fratelli).

Insomma, Shaolin soccer è un prodotto originale e godibile che però va necessariamente visto in lingua originale (cantonese); un ostacolo forse per chi non ha voglia si seguire un film coi sottotitoli.

Forse, invece, persino un pregio per i puristi del cinema (che sostengono che i film andrebbero visti sempre in lingua originale... e forse non hanno tutti i torti).
In calce un breve spezzone del film, con l'esordio del Real Shaolin nel campionato.

Fosco Del Nero

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La guerra degli Antò - Riccardo Milani (film commedia)

Titolo: La guerra degli Antò (La guerra degli Antò).
Genere: commedia.
Regista: Riccardo Milani.
Attori: Flavio Pistilli, Federico Di Flauro, Paolo Setta, Regina Orioli, Danilo Mastracci, Donatella Raffai, Giancarlo Balmas.
Anno: 1999.
Voto: 5.
Dove lo trovi: qui.


Altro film italiano, sebbene meno fortunato, e giustamente, dell'ottimo Ovosodo.

La guerrà degli Antò è la storia di quattro ragazzi abruzzesi, di Montesilvano per la precisione, che per l'appunto si chiamano tutti Antonio, da cui il titolo del film.

Quanto alla parola "guerra", essa si riferisce al fatto che i quattro sono dei punk, alle prese con la cultura perbenista del loro paese, che inevitabilmente li inquadra sotto una cattiva luce.

La domanda è: la cattiva luce è meritata?
Stando all'inizio del film, la risposta è: assolutamente sì.

In effetti, i quattro, più che dei personaggi profondi e alternativi, sembrano quattro deficienti che passano il loro tempo a fare bravate da teppisti, come quando importunano (ma sarebbero più giusti i termini "molestie sessuali") una ragazza alle giostre del paese, o come quando si recano a una festa alla quale non erano invitati e urinano sul letto dei padroni di casa.

Per non parlare poi di tutte le grosse parole di cui si riempiono la bocca, senza in realtà dare l'impressione di sapere quello che dicono, da "sistema" a "ideologia", da "guerra" a "politica".

E' questa la cultura alternativa punk?
Onestamente, essa non ne esce molto bene, e difatti credo che i veri punk non abbano gradito questo film.
In tal senso, la frase forse più azzeccata del film la dice il padre dell'Antò principale, detto Antò Lu Purk, che così si rivolge al figlio: "Con quei capelli lì non ti crede nessuno".

A dire il vero La guerrà degli Antò qualche punto positivo lo ha: è vivace e spigliato e, a furia di vederli in azione, ci si affeziona ai quattro ragazzi... anche se si continua a non creder lor per via di come sono pettinati...

Ma soprattutto per via di come si comportano: nel film seguono "bravate" a raffica, da quando Antò Lu Purk si rompe una gamba facendo lo sbruffone arrampicandosi sulle inferriate di un cantiere, a quando due dei quattro incendiano per sbaglio la stanza di un ostello, a quando gli altri due fanno una piazzata non particolarmente riuscita in diretta televisiva.

Alla fine, dopo viaggi a Bologna e Amsterdam, si ricontreranno tutti a Montesilvano, al grido di "il nostro paesello alla fine non è tanto male".

Da sottolineare che i quattro Antò sono tutti ragazzi del posto, e infatti recitano con una netta cadenza abruzzese.
Più famosa di loro invece è Regina Orioli, già vista nel già recensito Ovosodo e ne L'ultimo bacio, e passata in modo repentino da ammaliatrice fatale a brava ragazza con la testa sulle spalle.

Insomma, La guerrà degli Antò è un film che potrebbe essere interessante per via delle specificità regionali (accento, luoghi, etc), ma che non è certamente il meglio prodotto in Italia.

Fosco Del Nero

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La casa delle streghe - Masters of horror - Stuart Gordon (film horror)

Titolo: La casa delle streghe - Serie Masters of horror (Dreams in the witch house).
Genere: horror.
Regista: Stuart Gordon.
Attori: Ezra Godden, Susan Bain, Jay Brazeau, Anthony Harrison, Chelah Horsdal.
Anno: 2005.
Voto: 5.5.
Dove lo trovi: qui.


Uno studente universitario squattrinato affitta una camera in una pensione a basso prezzo.
L'ambiente da subito si presenta sinistro: l'edificio, i corridoi, persino gli inquilini...

E il peggio deve ancora venire: dei sogni inquietanti, un topo dal volto umano, un portale dimensionale, una strega e un neonato che deve morire...

La regia di La casa delle streghe, un mediometraggio di meno di un'ora, è affidata a Stuart Gordon ed è ispirata a un racconto di Howard Phillips Lovecraft (scrittore tra i miei preferiti), alla cui produzione letteraria Gordon si era già ispirato per alcuni suoi film: Re-animator, From beyond, ma soprattutto l'ottimo Dagon, il cui protagonista peraltro è il medesimo di questo film: Ezra Godden, evidentemente a suo agio nei panni dello studente universitario impacciato.

In entrambi i film, peraltro, l'attore indossava una maglia della Miskatonic University, nome caro allo scrittore di Providence.

E in questo La casa delle streghe, che fa parte della serie di film brevi Masters of horror, fa la sua apparizione anche una copia del Necronomicon, il libro del male che scritto dall'arabo pazzo Abdul Alhazred.

Libro che, secondo la teoria più accreditata, Lovecraft si era inventato di sana pianta, riuscendo però a far credere mezzo mondo che in realtà esisteva davvero.
In realtà, c'è ancora gente che lo sta cercando.
E magari lo troverà anche, chissà...

Da sottolineare pure la citazione della "teoria delle stringhe", questa reale, ma non meno rivoluzionaria per le straordinarie ripercussioni concettuali che avrebbe sull'universo in cui viviamo.

Ma non cambiamo argomento e torniamo a La casa delle streghe, che, dopo un inizio promettente, diviene meno convincente, con il gioco dell'ambiguità tra sogno e realtà che perde efficacia.
Il prodotto, a mio avviso, è appena decente.

Se volete, dunque, guardatelo pure, ma se volete vedere il meglio di Stuart Gordon procuratevi invece Dagon.

Fosco Del Nero

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La mia droga si chiama Julie - François Truffaut (film drammatico)

Titolo: La mia droga si chiama Julie (La sirène du Mississippi).

Genere: drammatico.

Regista: François Truffaut.
Attori: Jean-Paul Belmondo, Catherine Deneuve, Nelly Borgeaud, Martine Ferrière, Marcel Berbert, Yves Drouhet, Michel Bouquet, Roland Thenot.
Anno: 1969.
Voto: 7.
Dove lo trovi: qui.


Ecco il film d'autore che avevo annunciato nella recensione di Una fidanzata per papà di Vincente Minnelli.

La mia droga si chiama Julie è una produzione franco-italiana del 1969, a firma di François Truffaut, con protagonisti Jean-Paul Belmondo e Catherine Deneuve.

Louis Mahé (Belmondo) è un giovane, bello e ricco produttore di tabacco dell'isola di Reunion, al largo del Madagascar (che a sua volta è al largo dell'Africa meridional-orientale). E' tuttavia un uomo che sa poco dell'amore e delle vicende sentimentali, tanto da affidarsi agli annunci e alla corrispondenza.

Decide di sposarsi con una donna conosciuta in tale modo, Julie, che giunge a Reunion proprio per lui.
Il giorno programmato per l'incontro, tuttavia, la donna della foto non si presenta, e se ne presenta un'altra (Deneuve).

Incomincia da qui l'intera storia, che si svolge tra Reunion e diverse città della Francia (Marsiglia, Lione, etc).
Sono doverose diverse considerazioni.

La prima è che La mia droga si chiama Julie è stato portato in Italia in una versione tagliata, priva di alcune scene importanti.
Il solito discorso dell'ottusità della censura, unita all'arroganza di chi presume di avere il diritto di sapere cosa è meglio che le altre persone vedano o meno.

Il secondo punto, assai più lieto, é una considerazione: non avevo mai visto Catherine Deneuve giovane, e anzi l'avevo considerata sempre una signora distinta la cui fama come attrice avvenente però non mi spiegavo in toto (cito ad esempio l'ottimo film-musical 8 donne e un mistero).
Ebbene, da giovane era bellissima, di una belezza quasi ipnotica, come testimonia largamente questo film (la "sirena del Mississipi" del titolo originale sarebbe proprio lei).

Anzi, chissà di quali bellezze (umane, letterarie, filmiche, etc) ciascuna generazione non è consapevole per il solo fatto di non avere esplorato il passato, in questo caso il passato cinematografico.

Lo stesso Una fidanzata per papà era emblematico in tal senso, soprattutto per la presenza di Stella Stevens, veramente incantevole.

Devo invece dire che mi ha un po' deluso Jean-Paul Belmondo, che sembra più che altro un ragazzone palestrato e nulla più. Ma forse l'attore si è calato molto bene nella parte dell'ereditiero un po' ingenuo...)

Molto bene, sostanzialmente siamo di fronte a un film drammatico, che parte in tono leggero ma va avanti con una sorta di escalation di tensione, tra truffe, omicidi e tentati tali.
A mio avviso il finale è poco convincente, con Julie autrice di un voltafaccia troppo radicale, ma il film nel suo complesso è senza dubbio un buon giallo.

Da sottolineare che si tratta di uno dei film di minor successo di Truffaut, ma che comunque non è trascurabile all'interno della sua filmografia; il regista francese ha infatti rivelato di aver girato Baci rubati, uno dei suoi più grandi successi, proprio per avere i soldi per produrre questo La mia droga si chiama Julie.

Fosco Del Nero

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Appleseed - Masamune Shirow (manga)

Titolo: Appleseed (Appleseed).
Genere: fantascienza.
Autore: Masamune Shirow.
Anno: 1985-1989.
Voto: 8.
Dove lo trovi: qui.


Masamune Shirow (ma il suo vero nome è Masanori Ota) è uno dei mangaka (disegnatori di manga) più famosi al mondo, per cui immagino che egli non abbia bisogno di presentazioni per i fan dei fumetti orientali.

Manga come Black magic, Orion, Dominion, Ghost in the shell e questo stesso Appleseed hanno ormai fatto storia, ottenendo tra l'altro diverse trasposizioni animate (particolarmente famosa quella di Ghost in the shell, il cui secondo episodio vanta un livello grafico a dir poco strepitoso).

Ma veniamo ora al fumetto in questione, assai noto e vincitore di numersi premi.

Vi sintetizzo lo scenario in cui si svolge: dopo la terza guerra mondiale il pianeta è praticamente in rovina, e in molte zone la presenza umana è scomparsa completamente o parzialmente.

Con l'intento di costruire una società vivibile e pacifica, in un'isola artificiale tra Canarie e Azzorre (al largo dell'Africa e non lontano dalla Spagna) è stata fondata Central City of Olympus, una città-nazione assai internazionalizzata, in cui sono confluiti molti dei superstiti delle varie zone disastrate del mondo.

Ma questo Deunan Knute e Briareos Hecatonchires, i protagonisti di Appleseed, ancora non lo sanno, visto che vivono, del tutto isolati, in una città fantasma, spopolata dalla suddetta guerra. I due sono ex soldati scelti, che vengono contattati dai rapresentanti di Olympus per diventare ufficiali di polizia nel nuovo stato.

Deunan e Briareos scopriranno presto che Olympus, una società di tipo utopistico fortemente organizzata, alla fin fine perfetta non lo é poi così tanto.

L'opera di Shirow presenta una forte contrapposizione tra elemento high tech, sia in termini visivi sia nozionistici, ed elemento politologico-sociale-filosofico.

In effetti, se l'azione tende a occupare una buona parte dei quattro volumi che anni fa sono stati stampati dalla Star Comics, un'altra buona parte è riservata alle riflessioni in campo umanistico, che rendono peraltro il manga molto complesso e dal tono culturale non indifferente.

Per rendersi conto della complessità del fumetto, basta andare alla fine del primo volume e dare un'occhiata all'appendice, in cui si trovano nell'ordine: la mappa dell'isola Olympus, l'organigramma politologico della società relativa, con tanto di divisione interna dei poteri, la descrizione delle potenze internazionali rappresentate in Appleseed, una carta del pianeta Terra secondo le nuove zone di influenza conseguenti alla terza guerra mondiale, la cronologia di tutto quello che è successo dal 1988 al 2147, le figurine di circa 70 personaggi e infine le tavole dei protagonisti principali.

Insomma, Shirow è uno che fa le cose per bene.

Ora, alcune caratteristiche particolari dell'opera.
Intanto, la precisione grafica è maniacale, e questo non può che fare piacere.
In secondo luogo, quasi tutti i nomi dei personaggi e dei luoghi sono di origine greca, come forse avrete già intuito.

Ancora, Shirow è noto per le sue eroine femminili, personaggi carismatici e forti.
Deunan (che guarda caso somiglia molto a Seska di Orion, e Leona di Dominion, e a Motoko Kusanagi di Ghost in the Shell) rappresenta perfettamente questo prototipo, e dà spesso l'impressione di essere più volitiva del suo compagno Briareos (un uomo parzialmente robotizzato per via di incidenti di guerra).

Prima di concludere la recensione di uno dei manga cui sono affezionato di più (mi ricordo ancora quando lo comprai e quando lo lessi la prima volta), anticipo quello che in molti considerano il difetto principale di Shirow: la carenza di umorismo.
Io in particolare, che apprezzo molto umorismo e ironia, dovrei sentire tale carenza... ma di fatto non è così...

Certo, il mondo di Shirow è spesso molto serioso, ma in in dei conti qualche momento di distensione lo si trova (per quanto non propriamente comico come in Maison Ikkoku o Ushio e Tora, per fare due esempi di manga che ho già recensito).
Insomma, io vi consiglio Appleseed vivamente.

Fosco Del Nero

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Ovosodo - Paolo Virzì (film commedia)

Titolo: Ovosodo (Ovosodo).
Genere: commedia, drammatico.
Regista: Paolo Virzì.
Attori: Edoardo Gabbriellini, Marco Cocci, Nicoletta Braschi, Claudia Pandolfi, Regina Orioli, Pietro Fornaciari, Malcolm Lunghi, Matteo Campus, Gianna Giachetti, Giorgio Algranti, Barbara Scoppa, Raffaele Vannoli, Piero Gremigni, Daniela Morozzi, Ginevra Colonna, Isabella Cecchi, Paolo Ruffini.
Anno: 1997.
Voto: 8.5.
Dove lo trovi: qui.


Avevo promesso il meglio e il peggio della produzione cinematografica italiana degli ultimi anni, ed eccomi qua: partiamo dal meglio con Ovosodo, film del 1997 del regista Paolo Virzì.

Innanzi tutto, la storia si segnala per la narrazione tutta in prima persona (espediente narrativo che mi piace molto), e tale prima persona è Piero Malsani, un ragazzo del quartiere livornese di Ovosodo. Piero non è esattamente nato con la camicia: il padre è un fannullone mezzo criminale, il fratello un ragazzone ritardato, e la madre muore presto.

Il film si distingue sin da subito per un linguaggio ricercato e curato, e già questo fatto è degno di menzione (al contrario in molti prodotti italiani, televisivi in primis, pare che si faccia a gara a chi è più rozzo o qualunquista).

Inoltre, sin da subito vengono dispensati concetti profondi o impegnativi, sotto forma di frasi famose o comunque forti (per esempio, "l'altra metà del cielo", definizione coniata da Mao Tse Tung per definire l'universo femminile, o "le donne brutte sono tutte infelici", con cui la neomadre "avverte" la figlia neonata).

Salta all'occhio anche la condizione psicologica del protagonista, che si sente un inadatto alla vita, quasi escluso da essa, posto che egli si rifiuta di giocare secondo le regole ufficiali. In tal senso, la figura di Piero Malsani sa molto di inetto sveviano.

Un'altra caratteristica precipua del film è quella di disegnare dei personaggi veramente memorabili.

Ivano, il fratello ritardato di Piero, è figura marginale ma al contempo centrale nella vita del fratello, perchè emblematica della ruota della vita.

Giovanna, la professoressa del giovane (interpretata da Nicoletta Braschi, la moglie di Benigni, per chi non lo sapesse), è un personaggio al contempo dolcissimo e commovente. Tommaso Paladini, il migliore amico di Piero (favolosa la sua scena d'ingresso nel film), è caratterizzato in modo straordinario da Marco Cocci, un attore che non mi spiego come mai non sia nel mentre diventato molto importante. A mio avviso Tommaso è la figura più carismatica ed eccellente dell'intera storia.

E non siamo ancora arrivati ai due personaggi femmminili che segneranno la vita del ragazzo.
Il primo è Lisa (Regina Orioli), bellissima e affascinante cugina di Tommaso di cui Piero s'invaghirà immediatamente e con cui avrà diversi tête-à-tête.
Il secondo è Susy (Claudia Pandolfi), la vicina di casa e prima fidanzatina ai tempi delle elementari.

Di fronte a un film del genere, così denso di vita e di personaggi e di emozioni e di concetti esistenziali, si fa fatica a indicare alcune scene, preferendole ad altre.

Non posso però non citare, oltre alla già menzionata entrata in scena di Tommaso, la cena a casa di Giovanna con lei e i due giovani, la visita in ospedale di Piero a Giovanna stessa, il viaggio in motorino di Piero e Lisa, nonchè l'ottuso e fedele affetto che Susy mostra in praticamente tutte le occasioni nei confronti del suo vicino di casa (atteggiamento che rende grandemente l'idea di come l'immagine che noi abbiamo del mondo, delle persone e di noi stessi faccia la differenza).

Ovosodo si chiude in modo agrodolce, come praticamente era stato tutto il resto della pellicola: prima Piero si chiede cosa il fratello Ivano si dica con i venditori africani che ha iniziato a frequentare durante le sue passeggiate in solitaria ("forse non è ritardato, ma solo staniero"); poi lo stesso Piero, commentando la prevedibilità del suo rapporto con quella che nel mentre è divenuta sua moglie, dice che sente come "un ovosodo dentro che non va né su né giù".

Il ragazzo, oramai uomo, continua a sentirsi una via di mezzo: non ha mai saputo cosa voleva lui dalla vita, limitandosi ad afferrare ciò che gli passava vicino... in fin dei conti, la sensazione è che non gli sia andata poi così male, ma gli (e ci) rimane il dubbio che molte potenzialità siano andate perdute...

Gran premio speciale della giuria alla Mostra di Venezia.
Chi non lo ha visto se lo guardi assolutamente!

Fosco Del Nero

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Una fidanzata per papà - Vincente Minnelli (film commedia)

Titolo: Una fidanzata per papà (The courtship of Eddie's father).

Genere: commedia, sentimentale.
Regista: Vincente Minnelli.
Attori: Glenn Ford, Ron Howard, Dina Merrill, Shirley Jones, Stella Stevens, Roberta Sherwood, Jerry Van Dyke.
Anno: 1963.
Voto: 7.
Dove lo trovi: qui.


Ormai mi sto specializzando in commedie degli anni "50-60.

Dopo Qualcuno verrà, anch'esso diretto da Vincente Minnelli (secondo marito di Judy Garland, la ragazzina dello storico Il mago di Oz, e padre di Liza Minnelli), stavolta è turno di Una fidanzata per papà... e peraltro sto preparando la recensione del film di un altro noto regista del passato, anche se di altra nazionalità.

Ma andiamo con ordine: Una fidanzata per papà è una commedia sentimentale con protagonisti Glenn Ford e Ron Howard, ossia colui che qualche anno più tardi sarebbe diventato Ricky Cunningham di Happy Days.

Il tono del film è assai leggero e vivace, e sostanzialmente la trama può essere riassunta così: il piccolo Eddie (Ron Howard) ha perso la mamma da poco, e sia lui che il padre Tom (Glenn Ford) stanno cercando di superare la cosa.

Dà loro una mano la vicina Elizabeth, che peraltro era la migliore amica della mamma-moglie.
A un certo punto Eddie si convince che la loro vita migliorerà se il padre si risposerà, e allora inizia a cercare una donna con cui fidanzarlo.

Alla fine della fiera, le candidate saranno tre: la stessa Elizabeth (Shirley Jones), (letteralmente la) ragazza della porta accanto , Zizì (Stella Stevens), ragazza dalla bellezza straripante, e Rita (Dina Merrill), donna elegante e affascinante.

Avrò la cortesia di non rivelarvi chi sarà la prescelta.

Aggiungo solamente che Una fidanzata per papà, pur essendo una storia semplice e senza pretese, si presenta molto fresco e piacevole.
Non a caso, al tempo questa commedia romantica di Vincente Minnelli ebbe tanto successo da ispirare una serie.

E poco ostano alla visione i numerosi anacronismi storico-sociali (modi di dire, atteggiamenti, ruolo delle donne, etc), nonchè una certa prevedibilità della trama (si capisce come andrà a finire dopo poco tempo): Una fidnzata per papà si fa vedere bene e lascia un bel ricordo.

Uno dei (presumibilmente) tanti bei film con cui il tempo non è stato generoso.

Da segnalare la presenza nel film di Jerry Van Dyke (il fratello di Dick Van Dyke, il celebre spazzacamino di Mary Poppins).

Fosco Del Nero

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Crimen perfecto - Finchè morte non li separi - Alex De La Iglesia (film commedia)

Titolo: Crimen perfecto - Finchè morte non li separi (Crimen ferpecto).
Genere: commedia, surreale.
Regista: Alex De La Iglesia.
Attori: Guillermo Toledo, Monica Cervera, Luis Varela, Enrique Villen, Fernando Tejero, Javier Gutierrez.
Anno: 2004.
Voto: 7.
Dove lo trovi: qui.


Crimen perfecto si apre con l'autopresentazione di Rafael, commesso modello dei magazzini Yeyo's (una sorta di centro commerciale di abbigliamento tipo Oviesse).

Rafael ambisce a vivere la vita perfetta, non si accontenta della mediocrità e lo dice a chiare lettere: lui vuole delle belle donne, una bella macchina, dei bei vestiti e così via.

I primi venti minuti del film scorrono via con il personaggio (e l'ego) di Rafael che conquista sempre più spazio: il reparto donna è il suo feudo personale (non solo metaforicamente) ed egli si appresta a vincere la sfida con Don Antonio (che invece dirige il reparto uomo) per chi sarà nominato direttore di piano.

Ma la prodezza da venditore di Rafael (una sorta di rovesciata al 90° all'incrocio dei pali) viene vanificata da un dettaglio burocratico, e l'uomo perde la sfida, perde il piano e dopo pochi minuti perde anche il lavoro.
Don Antonio, invece, perde la vita.

Questo è l'inizio del rovescio di Rafael, con la brutta e perfida Lourdes che piano piano subentra nella sua vita, di fatto rovinandogliela.
Ed ecco che il film, che si era aperto coma una fresca commedia, si tramuta in un mix tra thriller, dramma e grottesco.
Peraltro, similmente a quanto avvenuto in La comunidad, altro noto e riuscito film di Alex De La Iglesia (ma attenzione, perchè lo stile del regista è particolare, e ad alcuni non piace).

Il personaggio di Lourdes merita senza dubbio un commento: dentro è più brutta che fuori... e ce ne vuole.
In effetti, alla domanda "se ci fossi stati io al posto di Rafael, cosa avrei fatto?", la risposta sorge spontanea, e non è molto positiva.

Emblematica di ciò che ha dovuto sopportare Rafael (con cui si fa in fretta a solidarizzare, a dispetto dell'arroganza che mostra a inizio film) è la cena a casa della famiglia di lei: il padre è sempre addormentato, in stato semi-comatoso, la madre è antipatica, la figlia come detto orrenda e cattiva, mentre l'altra figlia, quella piccola (8 anni), è invasata quasi ai livelli de L'esorcista: in rapida serie urla alla famiglia che l'ha violentata il professore di ginnastica, che è incinta e che vuole tenere il bambino.
Per poi minacciare subito dopo di far saltare la casa con il gas: la mamma a quel punto si getta a terra in ginocchio e grida "Prendimi con te, o Gesù!".
Insomma, proprio un bel clima familiare...

Non aggiungo altro per non appesantire la recensione e non svelare troppo della trama di Crimen perfecto; dico solo che nel corso della storia se ne vedono delle belle, con il rapporto tra i due a dir poco mutevole e l'ispettore che li segue da vicino...

Una menzione anche per l'ottima trovata della seconda vita di Don Antonio.
Finale a sorpresa, surreale quanto il resto del film.

Chiude il pezzo trailer di Crimen perfecto, in spagnolo sottotitolato in inglese; a questo proposito, ho visto il film sia in italiano sia in lingua originale (sottotitolato) e devo dire che la seconda versione è più efficace.

Fosco Del Nero

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Tideland - Il mondo capovolto - Terry Gilliam (film drammatico)

Titolo: Tideland - Il mondo capovolto (Tideland).
Genere: drammatico, surreale.
Regista: Terry Gilliam.
Attori: Jeff Bridges, Jodelle Ferland, Janet McTeer, Brendan Fletcher, Dylan Taylor, Jennifer Tilly, Sally Crooks, Wendy Anderson.
Anno: 2005.
Voto: 4.
Dove lo trovi: qui.


Quando ho aperto il sito, l'ho fatto con l'intento di consigliare i migliori film che conoscevo e che man mano sarei andato a vedere.

Poi mi sono deciso a recensire anche ciò che non mi aveva entusiasmato (e che quindi non consiglierei a un amico) e pure ciò che invece non mi è piaciuto affatto.

Inserisco la recensione di Tideland - Il mondo capovolto proprio con questo spirito, e con il rammarico che si tratta del film di un regista che io (e non solo io) giudico molto talentuoso (film come Brazil e L'esercito delle dodici scimmie lo dimostrano): Terry Gilliam.

Il regista, noto per girare film visionari e originali, spesso attraversati da una discreta verve umoristica (non a caso è un ex Monty Python: vi ricordate il mitico Brian di Nazareth?), stavolta ha messo su una vera bottega degli orrori, sgradevole alla sola vista.
Intendiamoci, la mano di Gilliam si vede, in particolare nella bella fotografia e in qualche scena dal sapore onirico, ma è una mano che dipinge un paesaggio umano a dir poco desolante.

Ecco la trama di Tideland - Il mondo capovolto: Jeliza Rose (intepretata da Jodelle Ferland, enfant prodige del cinema già vista in Silent hill) è una bambina che vive con i suoi genitori in una specie di catapecchia.
La madre ci mette due secondi a guadagnarsi il titolo di "Miss disgusto", e quando dopo un minuto di film muore di overdose non è che ci si pianga addosso.

Anche il padre (interpretato da Jeff Bridges, il protagonista de Il grande Lebowski) ha lo stesso vizio, anche se lui lo chiama "andare in vacanza".
Ebbene, una "vacanza" gli sarà fatale, e pure per lui non ci si strappano i capelli.

Il disgusto, provocato all'inizio da tali presenze genitoriali (e penso a chi nella vita vera ha avuto la sfortuna di nascere da persone simili) purtroppo non cessa con la loro morte, e il film propone una situazione fastidiosa dietro l'altra: dalla scena dei "muffin" (evito di specificare per cortesia nei vostri confronti) a quella della lurida baracca in cui Jeliza Rose è andata a vivere col padre prima della morte di lui, da quella del cadavere lasciato a marcire in casa a quelle della schizofrenia della bambina (che parla con le sue bambole... anzi, con le teste delle sue bambole).

Forse il regista intendeva mescolare rozzezza e lirismo (il linguaggio del padre e della bambina stessa spesso evoca figure retoriche, divinità nordiche, etc) in una sinfonia originale.
L'originalità c'è senza dubbio: il piacere di vedere il film però no.

E con il procedere la situazione peggiora e subentrano, nell'ordine: una donna che crede che le api la odino; il di lei figlio autistico, che comincia con Jeliza Rose una bizzarra relazione sentimentale (anch'essa disgustosa a parer mio); il ricordo della nonna della bambina, che a quanto pare era una pedofila che da viva abusava del ragazzo autistico; l'imbalsamazione del cadavere del padre di Jeliza Rose ad opera della donna della api (vecchia amante di lui), che peraltro aveva già imbalsamato sua madre, al fianco del cui cadavere dormiva come se niente fosse.

Insomma, l'atmosfera di Tideland - Il mondo capovolto è malsana e malata, e durante la sua visione semra quasi di sentire l'odore di putrefazione che permea l'intera storia.

Forse con tutto questo si voleva sottolineare la capacità della bambina di sopravvivere mentalmente a tutte le brutture che i suoi genitori le avevano disegnato intorno (droga, povertà, fame, sporcizia, etc), o forse si intendeva realizzare una specie di favola nera, ma la sensazione finale (come quella iniziale, peraltro) è quella di un film inutile, per non dire peggio.

Insomma, lo avrete capito: io ve lo sconsiglio con tutto il cuore, poi fate voi...

Fosco Del Nero

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Ti amo in tutte le lingue del mondo - Leonardo Pieraccioni (film commedia)

Titolo: Ti amo in tutte le lingue del mondo (Ti amo in tutte le lingue del mondo).

Genere: commedia, sentimentale.
Regista: Leonardo Pieraccioni.
Attori: Leonardo Pieraccioni, Massimo Ceccherini, Giorgio Panariello, Rocco Papaleo, Francesco Guccini, Giulia Elettra Gorietti, Marjo Berasategui, Elisabetta Rocchetti, Barbara Enrichi, Nicolas Vaporidis.
Anno: 2005.
Voto: 7.5.
Dove lo trovi: qui.


Non è questo il film italiano che avevo promesso nell'articolo sul film giapponese Yaji and Kita - The midnight pilgrims, tuttavia mi trovo a recensirlo volentieri.

Dico volentieri perchè, nonostante anni fa ritenessi i film di Pieraccioni delle commediole finalizzate agli incassi al cinema, cosa che comunque sono, nell'ultimo periodo li ho grandemente rivalutati (almeno, alcuni di essi: per esempio, Il ciclone, Il pesce innamorato, Il paradiso all’improvviso e questo stesso Ti amo in tutte le lingue del mondo).

Il perchè è molto semplice: nonostante contengano battute e gag chiaramente destinate al grande pubblico, e quindi inevitabilmente terra terra, essi si distinguono anche per quello che Pieraccioni stesso, nei panni del professore di ginnastica Gilberto Rovai, dice al suo preside (che peraltro è Francesco Guccini): "A lei sarà sicuramente noto il famoso sarcasmo pungente di noi toscani".

In effetti i film di Leonardo Pieraccioni stanno sempre a cavallo tra questi due opposti: l'esigenza di cassetta e il "sarcasmo pungente di noi toscani".
Mi limito dunque a focalizzarmi sul secondo aspetto, quello che io gradisco di più e che in questa pellicola è profuso a piene mani, insieme a una tenerezza forse ignota ai precedenti film.

La trama è semplice: Gilberto Rovai (detto Gibbo :) è un professore di ginnastica di un liceo di Pistoia di cui si è invaghita una sua alunna, Paolina, che lo tempesta di lettere e messaggini con la frase "ti amo" in tutte le lingue possibili, da cui il titolo del film.
La cosa provoca all'uomo un comprensibile imbarazzo, che sfocerà poi...

Il professore è lo stesso Pieraccioni, la ragazza è interpretata ottimamente dalla deliziosa Giulia Elettra Gorietti (che nome! L'attrice peraltro si era già messa in evidenza nel colossal Tre metri sopra il cielo. :p Scherzi a parte, sono sicuro che la ragazza ha di fronte a sé un luminoso futuro come attrice), mentre il fratello di lui è un balbettante Giorgio Panariello.

Nella storia subentrerà poi anche l'immancabile Massimo Ceccherini, in quella che secondo me è l'interpretazione meno convincente tra tutte (forse perchè fa la - poco congruente per lui - parte di un frate!).

Tra l'altro, Ti amo in tutte le lingue del mondo, eccellente nella prima ora, sembra decadere di qualità proprio con l'ingresso del personaggio di Ceccherini.
Personalmente avrei fatto evolvere la storia in altro modo, ma tant'é...

Nel finale fa una comparsata pure Nikola Vaporidis, giovane attore noto per il film La notte prima degli esami, ma che a me era piaciuto molto di più nell'assai migliore Tredici a tavola, in cui è protagonista con Kasia Smutniak.

Da segnalare alcuni momenti irresistibili del film: il dialogo iniziale tra Rovai e il preside, seguito a breve dalla pallonata alla finestra; l'incidente in macchina; la gag del numero del cellulare e del venditore di fiori; il balletto con Salvatore l'orsetto lavatore; Cateno (Panariello) che esce dalla vasca mentre la ragazza di Gilberto sta facendo la pipì; il dialogo tra Rovai e l'alunno Puliti in gita scolastica.

Ognuna di queste scene varrebbe da sola la visione di Ti amo in tutte le lingue del mondo, che globalmente parlando risulta assai godibile e divertente.
Come detto, per me la migliore produzione di Pieraccioni.

Fosco Del Nero

p.s. A proposito, come sta la mamma?

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Yaji and Kita - The midnight pilgrims - Kankuro Kudo (film commedia)

Titolo: Yaji and Kita - The midnight pilgrims (Mayonaka no Yaji-san Kita-san).
Genere: surreale, commedia, drammatico, musical.
Regista: Kankuro Kudo.
Attori: Tomoya Nagase, Shichinosuke Nakamura, Sadao Abe, Kumiko Aso, Tasuku Emoto, Arata Furuta, Itsuji Itao, Ryo Iwamatsu, Naoko Ken, Eiko Koike.
Anno: 2005.
Voto: 8.5.
Dove lo trovi: qui.


Di recente mi è stato fatto osservare (a ragione) che non stavo recensendo film italiani.
La mia risposta è Yaji and Kita - The midnight pilgrims, uno strepitoso film giapponese, a mio parere uno dei film più visionari e divertenti di sempre.

Quanto ai film italiani, colmerò la mancanza con i due che secondo me rappresentano il meglio e il peggio della produzione dello stivale di questi ultimi anni.

Yaji and Kita - The midnight pilgrims non ha un titolo italiano, perchè il film non è mai stato importato qua da noi.
Yaji e Kita, che sono i diminutivi rispettivamente di Yajirobe e Kitahachi, sono due personaggi tradizionali della letteratura giapponese (la loro storia è del 1800 circa, durante l'epoca Edo, che va più o meno dal 1650 al 1850; Edo tra l'alto è il nome antico della città di Tokio).

Il primo è un uomo sposato, con tale Ohatsu, tuttavia ha una relazione proprio con Kita: l'omosessualità dei due salta subito all'occhio, anche perchè essi non fanno proprio niente per nasconderla.

La seconda cosa che salta all'occhio del film è il suo essere completamente fuori di testa: già la sequenza iniziale (assolutamente da vedere) dà un indizio molto forte di che tipo di film si sta iniziando a seguire... e dopo soli dieci minuti, quando i due prima improvvisano un rap in strada, poi passano al musical e infine si allontanano in motocicletta diretti a un pellegrinaggio, il dubbio diventa certezza: è follia completa.

Da rilevare i motivi del pellegrinaggio: Yaji soffre di incubi ricorrenti (tra cui quello della splendida sequenza iniziale), mentre Kita è un drogato (siringa, polvere, pastiglie: è goloso di tutto!).

Proprio le crisi di astinenza di Kita costituiscono un motivo ricorrente del film, segnalandosi sempre, ed era inevitabile, per la loro bizzarria.

Nella prima, per esempio, mentre in una strada di periferia passano gli uomini dello shogun del luogo, lui viceversa vede, nell'ordine, una squadra di football, delle ballerine di samba, dei soldatini in miniatura e delle impiegate in tailleur.
Anche la seconda sequenza "di astinenza" è memorabile, e giunge sotto forma di delirio onirico.

In breve, si simpatizza facilmente con la coppia, tanto che quando essa nel corso del suo viaggio è costretta a dividersi dispiace, anche perchè tra i due sembra esserci un autentico affetto.

E questo nonostante, a un certo momento, sembra che Kita abbia ucciso Yaji!!
Ma su questo punto non aggiungo altro per non rovinare l'effetto sorpresa.

Anche se sono ragionevolmente certo che in un film di tale portata eliminare l'effetto sorpresa sia cosa pressocché impossibile.

Aggiungo solo che nella storia faranno la loro comparsa anche un ispettore di polizia che cerca Yaji per l'omicidio della moglie, un famoso comico del luogo (anch'esso drogato), un gruppo di ragazzine liceali che costituirà un fan club di Yaji (la scena è divertentissima), il fiume Stige con la sua guida, un gruppo di anime che alloggia nelle sue vicinanze nell'hotel Nirvana, un gruppo di appassionati delle storie di Re Artù e della spada nella roccia.

Come vedete, gli spunti in Yaji and Kita non mancano...
E non vi ho detto nemmeno di quando Yaji e Kita si mangiano un braccio a vicenda, di quando Kita squarcia il Monte Fuji, di quando Yaji incontra la moglie morta nello Stige, di quando Kita trova in una foresta un delizioso bar gestito da un morto che serve cocktail basati su funghi allucinogeni... e vi sto riferendo solo una piccola parte del film...

Controindicazioni?

Ce ne sono. Intanto, Yaji and Kita - The midnight pilgrims si trova, e a fatica, solo sottotitolato in inglese (ma è uno sforzo che vale assolutamente la pena di fare).
In secondo luogo, chi non apprezza la cultura giapponese potrebbe rimanere disorientato dall'eccesso di originalità.

Infine, il film si presenta assai scorrevole e immediato, pur durando ben due ore, tuttavia non manca di presentare dei concetti profondi, cosa che lo lascia a metà guado (target di pubblico molto ampio o film di nicchia?).

Ma, come dicevano i latini, "parva res"... io fossi in voi gli darei un'occhiata...
Per darvi un'idea di cosa vi aspetta, allego in calce lo spezzone musicale di quando Yaji e Kita abbandonano Edo in moto.

Fosco Del Nero

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